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Paula Guillardoy

Arte
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Como abrir los ojos, Georges Didi-Huberman. Fragmento

Ciertamente, no existe una sola imagen que no implique, simultáneamente, miradas, gestos y pensamientos. Dependiendo de la situación, las miradas pueden ser ciegas o penetrantes; los gestos, brutales o delicados; los pensamientos, inadecuados o sublimes.

Pero, sea como sea, no existe tal como pura visión, absoluto pensamiento o simple manipulación.

Es especialmente absurdo intentar descalificar algunas imágenes bajo el argumento de que aparentemente han sido "manipuladas".

Todas las imágenes del mundo son el resultado de una manipulación, de un esfuerzo voluntario en el que interviene la mano del hombre (incluso cuando esta fuera un artefacto mecánico).

Solo los teólogos sueñan con imágenes que no hayan sido producidas por la mano del hombre.

La cuestión es, más bien, como determinar, cada vez, en cada imagen, qué es lo que la mano ha hecho exactamente, cómo lo ha hecho y para qué, con qué propósito tuvo lugar la manipulación.

Para bien o para mal, usamos nuestras manos, asestamos golpes o acariciamos, construimos y destruimos, damos o tomamos.

Frente a cada imagen, lo que deberíamos preguntarnos es como (nos) mira, cómo (nos) piensa y cómo nos toca a la vez.

Foto: René Groebli
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Noticias del mercado de arte: hoy Robert Frank

Robert Frank es uno de los fotógrafos más destacados del siglo XX y uno de los que aparecen obras en subasta, aunque las mismas no hayan sido ejecutadas como “obras de arte” o por un “artista”.

Este destacado fotógrafo es recordado por la publicación del libro “Los americanos”, ícono de la historia de la fotografía del siglo XX.

Hoy vamos a referirnos a la obra Trolley - New Orleans, 1955 que forma parte de Los Americanos y cuyas copias han salido en varias oportunidades a subasta.

Hay que enfatizar que la fotografía para insertarse en el mercado del arte ha definido mecanismos para acercarse al ideal de obra de arte única que acompaña al mercado de arte tradicional.

Tres copias de diferentes se vendieron en un valor de martillo cercano a 500.000 en las tradicionales casas de subastas: Christie´s y Sotheby´s.

En el año 2013 una copia que fue adquirida directamente al artista y que participó junto a la obra de Harry Callahan en la última muestra organizada por Edward Steichen en el Museo de ArteModerno en el año 1962 alcanzó la suma de u$s 663,750.

Un año antes se subastó una copia en u$s 434,500 en este caso nos encontramos con una obra ejecutada posteriormente y que provenía de la galería Pace/MacGill.Gallery, New York. La base fue bastante inferior a la anterior: u$s 150.000.

Por último mencionamos la copia que se vendió en el año 2007 en u$s 623,400. En este caso se trató de una copia realizada posteriormente y con la correspondiente etiqueta suscripta por el autor en la que se consigna la cantidad de copias.

Los precios de las fotos no tienen punto de comparación con los de la pintura de los grandes maestros por ello importa en primer lugar la calidad de la copia, si es copia contemporánea a la fecha de toma, el estado de conservación y como en cualquier otra obra de arte: la provenance, los lugares donde fue exhibida y el estado general de conservación, entre otros aspectos.

Paula Guillardoy para Cronista de la fotografía 2023.
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La Maja del gran Gustav Le Gray (1820-1884)

Le Gray es uno de mis favoritos. Con una vida más que interesante por todas la actividades que realizó de las cuales mencionamos algunas.

Se licenció en Letras, viajó a Roma para estudiar pintura con los grandes maestros. Luego regresó a su trabajo en el Louvre. Se casó. Abrió su estudio fotográfico.

Publicó un Tratado Práctico de la Fotografía. Perfeccionó el uso colodión húmedo mediante la denominada copia por combinación para obtener las primeras escenas marinas donde el cielo y el agua se encuentran correctamente expuestas.

Sucesivas tragedias familiares le influyeron en el abandono de su hogar y motivaron su marcha a Oriente Próximo. Falleció en El Cairo.

El desnudo que compartimos es del año 1856 y nos recuerda a otra maja, la de Goya. No es casualidad. Pintura y fotografía tienen una historia compartida. La fotografía toma de la pintura cuando nace las ideas, las reglas y los valores. La fotografía por su parte liberará a la pintura hacia fines del siglo XIX.
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Juego de palabras.

Juego de palabras.
Salgado nos desafía: "lo que se ve en instagram no es fotografía" y comienza el debate.
Comencé a estudiar fotografía allá por el año 2000. Mi acercamiento a la fotografía es un acercamiento híbrido.
No es 100 % analógico, ni 100 % digital.
No podía ser de otra manera, nací en febrero del 69. Dice mi hermano que fui gestada en el mayo francés, por eso soy así: bohemia, afirma mi viejo.
En 1979 Roland Barthes escribía "La Cámara Lúcida":
"La fotografía repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse existencialmente".
En este es cierto, lo que vemos en Instagram, no es fotografía.
Por eso cuando leas otros libros emblemáticos relacionados con la fotografía tené en cuenta eso. Es un juego de palabras.
En el límite, la discusión es semántica o semiotica o semiologica o simplemente, etimológica.
El acto fotográfico no es lo que Dubois describió en 1983. Es otra cosa, por eso al presentar la nueva edición de "El acto fotográfico" este año en Buenos Aires, escribió un nuevo prólogo.
Ahora deberíamos hablar de la imagen digital, un híbrido.
Los que hacemos estenopeica nos referimos al origen de la fotografía. Claro, hacemos fotos con latas.
"El término fotografía procede del griego φῶς (raíz φωτ-, phōs, «luz»), y γράφω (raíz γράφ-, graf, «rayar, dibujar, escribir»)".
Lo que vemos en instagram es fotografía. No es la fotografía en términos a los que se refiere Sebastián Salgado.
A modo de cierre les dejo un retrato realizado en un café durante una edición de Buenos Aires Photo.
En la era digital siguimos haciendo fotos, sobre otro soporte y otra materialidad por más efímera que esta sea.
Paula Guillardoy
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Foto Postal

La palabra "postal" se usó en dos sentidos. El convencional designaba a los cartones impresos con fotografías o dibujos y, el otro, denominaba a una forma de fotografía personal que adoptó el formato de los primeros.
Se trataba de retratos realizados en los estudios de fotografía que se vendían de a diez, veinte o más copias y que se sumaban al vasto universo de las postales convencionales.
Al igual que éstas, en el reverso, se las identificaba como "Tarjeta postal" para poder ser envida por correo, aunque también podía se entregada como personalmente con una leyenda de puño y letra o un simple autógrafo.
Así, el retrato -que ya se había difundido por medio de la fotografía y los álbumes familiares- ahora, con la moda de la postal, se popularizaba aún más e ingresaba tanto en los intercambios epistolares como en las colecciones privadas de tarjetas.

Carlos Masotta "Album postal". La Marca Editora. 2008. Página 50.
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Miscelánea de primavera

El amor, es como la relación entre un pez y una bicicleta, puesto que ni uno ni otra pueden calcular aquello que los une: el amor es la fuerza de lo antiutilitario en las vidas. Lo que existe el pez y la bicicleta es el vacio, el "nada en común", que deberá hacerse común cada vez. Sobre ese vacío, los amantes son construidos por el amor. Alain Badiou agrega que, si el amor es una relación entre dos que no encuentran uno en el otro aspecto de utilidad, política sería uns relación que involucra a muchos.

(El pez, la bicicleta y la máquina de escribir. Fundación Proa / Duplus).
Armar una colección imaginaria virtual es como la relación entre un pez y una bicicleta. Es tan ecléctica como el amor.

¿Y vos armas colecciones imaginarias?

Foto Horacio Coppola "Máquina desnuda" 1970.
Pertenece a la Colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
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Una foto nunca es lo que muestra, siempre es otra cosa.

Una foto nunca es lo que muestra, siempre es otra cosa.

Una foto se resignifica todo el tiempo bajo cada mirada y la cosa retratada deviene otra.

Donde el autor encuadra, el espectador resignifica.

En un artículo muy interesante que pueden encontrar en la web de El Paìs "Instagrameables o el asalto de las imágenes" se plantea un interrogante que acompaña a la fotografìa desde su presentaciòn en sociedad en 1839.
"...¿Es verdad todo lo que vemos en las imágenes o son las imágenes deliciosamente engañosas, incluso más engañosas cuanto menos manipuladas estén en apariencia?..."

Podrìa decir que ya no fotografiamos para recordar, para congelar la muerte dirìa Barthes. Todo lo contrario, hoy las imágenes exigen urgencia, igual que las redes sociales: dentro de un minuto es ya tarde.

Los amantes de la fotografìa seguimos armando nuestras colecciones imaginarias y hay tantos museos como usuarios de internet.

Algunas colecciones se destacan más que otras. Las hay especializadas, las hay improvisadas, también eclécticas, algunas pensadas y otras simplemente son reuniones azarosas de imàgenes.

Todas ellas en la nube y el tiempo ahì, sucediendo en un presente perpetuo solo por hoy.

En la foto André Malraux armando su colecciòn "Le Musée imaginaire de la sculpture mondiale. I La statuaire; II Des bas-reliefs aux grottes sacrées; III Le monde chrétien , Gallimard, París 1952-1955".

Paula Guillardoy
13/10/2022
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Artistas Mujeres. Florence Henri (1893-1982)

Mujeres en la Bauhaus.

En 1927 la artista Florence Henri (1893 – 1982) tomó un curso con László Moholy-Nagy con quién se iniciaría en la libre experimentación a través de las nuevas tecnologías.

Por entonces escribiría: Como novedad: estoy practicando la fotografía. Si me gusta, abandonaré la pintura (provisionalmente).

Así fue como se convirtió en una de las más destacadas referentes del arte fotográfico de la Bauhaus.
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Victoria Ocampo y Virginia Woolf

En el año 1934 Victoria Ocampo conoció a Virginia Woolf en una muestra de Man Ray que se realizó en la ciudad de Londres.

Victoria asistió a la exposición acompañada del escritor y filósofo Aldous Huxley con la esperanza de encontrar a Virginia que era ya una autora consagrada internacionalmente.

Un libro publicado en octubre del 2020 por RARA AVIS editorial reune la cartas que reconstruyen el vínculo entre estas dos grandes escritoras como así también la publicación El Ensayo Personal de la Editorial MARDULCE.

Victoria Ocampo escribió: Hace veinte años que nos conocimos. ¿Qué representaba ella para mí en aquella época?. La cosa más valiosa de Londres. Para ella ¿qué habré sido?. Un fantasma sonriente, como lo era en mi propio país.

En el año 1929 Man Ray fotografiaba a Victoria Ocampo y la foto que integra esta publicación la encuentran en https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/cgrb56

Paula Guillardoy
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