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¿Me regala una moneda, joven?

Descuida, yo te cuido (2020) Gente para la que el dinero vale más que la vida

Esta película escrita y dirigida por J. Blakeson nos muestra a Marla Grayson (Rosamund Pike), una mujer que se dedica a cuidar a adultos mayores que ya no pueden valerse por sí mismos.
Lo que podría ser una tarea noble, es en realidad una estafa a varios niveles, puesto que Marla se dedica a internar contra su voluntad a personas mayores, alegando que no están en posesión de sus facultades mentales, lo cual es falso, y aislándolos del contacto de sus familiares. Además, mediante documentación adulterada y engaños a la justicia logra administrar los bienes de estas personas, usándolos para su propio beneficio. Detrás de esto existe una red de corrupción que incluye a médicos, geriátricos y abogados, quienes obtienen dinero gracias a estas acciones ilegales.
Marla es una joven mujer extremadamente ambiciosa, quien junto a su asistente y pareja Fran (Eiza González) mantienen un nivel de vida acomodado, pero su avidez por el dinero las lleva a buscar constantemente nuevos "clientes".
La Dra. Karen Amos (Alicia Witt), quien recomienda a sus pacientes a Marla, le informa acerca de una posible víctima, llamada Jennifer Peterson (Dianne Wiest), quien aparentemente no cuenta con familiares, pero sí con mucho dinero. Marla avanza, logrando inicialmente hacerse del control de la fortuna de Jennifer, quien es internada, pero pronto descubre que las cosas son mucho más complejas de lo que imaginó, ya que la mujer es en realidad la madre de un mafioso extremadamente peligroso llamado Roman Lunyov, protagonizado por Peter Dinklage.
Persecuciones, intentos de asesinatos, un par de giros interesantes y un abrupto final es todo lo que queda luego de lo dicho.
Es una comedia negra, con poco de humor y un personaje que lejos está de despertar simpatía, como el de Marla, y con un par de puntos débiles que sobredimensionan la capacidad de la protagonista a la vez que muestra a sus enemigos como torpes.
Fuera de esto, lo que deja es un espacio para reflexionar en cómo la ambición lleva a algunas personas a tratar a los demás como meros objetos a utilizar para sus objetivos, y cómo tristemente este tipo de situaciones existen en la vida real.
Me gustó, pero me hizo empatizar con un grupo de mafiosos, lo que no me gusta tanto.
PD: obviamente que al hablar de gente a la que le importa más el dinero que la vida de los demás hablo tanto de Marla como de Roman, quienes se parecen mucho más de lo que se imaginan. De hecho, Roman sólo se enfrenta a Marla porque se metió con su madre, que si hubiese sido cualquier otra persona eso no le hubiese importado en lo más mínimo, como se deja muy claro en la película. En resumen, son dos caras de la misma moneda.
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La Duda (2008) Cuando la búsqueda de la verdad se transforma en obsesión

Nueva York, 1964. El padre Flynn (Phillip Seymour Hoffman) da un sermón en el que habla de la duda, la cual puede surgir en momentos de incertidumbre y soledad, y cómo la misma pone a prueba la fe de las personas.
Esto da pie a una charla entre las hermanas encargadas del colegio anexo a la iglesia. La directora del establecimiento, la hermana Aloysius (Meryl Streep) sugiere a la joven James (Amy Adams), maestra de la escuela, que observe cualquier comportamiento extraño en el padre Flynn, ya que el sermón le pareció algo extraño.
A partir de ese momento la hermana James comienza a observar algunas actitudes sospechosas del padre, particularmente con un estudiante, Donald Miller, el primer estudiante negro en ser aceptado en el colegio y monaguillo de la iglesia, víctima de bullying por parte de algunos chicos abusivos debido a su color de piel.
Las situaciones sospechosas incluyen el llamado que el padre hace a Donald para una entrevista privada en la rectoría, sacándolo de clase, y la actitud ambigua que la hermana James observa en el niño al regresar al salón.
Tras informar de todo esto a la directora, ambas mujeres confrontan al sacerdote, quien ofrece una explicación a todo lo que pasó, pero solamente logra convencer a la joven e ingenua James, mientras que Aloysius mantiene sus sospechas, afirmando que la experiencia es lo que la hace desconfiar de las palabras del padre Flynn.
Decidida a llegar hasta las últimas consecuencias, la directora inicia una investigación por su cuenta, saltándose los pasos reglamentarios, para dar con lo que cree que es la verdad de los hechos.
Un segundo enfrentamiento entre Flynn y Aloysius tiene lugar, mucho más violento que el primero, con la religiosa exigiéndole al padre que confiese, pero Flynn sostiene que no ha hecho nada malo. Entonces es cuando la hermana le revela lo que ha descubierto en su indagación.
Dirigida por John Patrick Shanley, autor de la obra de teatro original, esta película es un drama muy profundo, sostenido en tres maravillosas actuaciones. Cada uno de los personajes representa un sentimiento o característica en particular: James es joven e inocente, incapaz de creer en la maldad de las personas; el padre Flynn es un hombre cuya naturaleza no está clara, ya que bien puede tratarse de una persona correcta y servidora de Dios, como de un pervertido oculto tras una máscara de santidad; la hermana Aloysius, en tanto, representa la búsqueda de la verdad, pero corrompida por los sesgos que la hacen perder objetividad en su obsesión por alcanzar lo que ella cree que es la verdad.
En cuanto a la dirección, Shanley optó por usar tonos apagados y muchos planos fijos, incluyendo algunos inclinados que le dan un toque de mayor misterio a la situación. Por otra parte la falta de movilidad de la cámara en escenas de gran intensidad dramática acentúan aún más esta característica.
También se puede agregar que el enfrentamiento entre Flynn y Aloysius refleja dos maneras contrapuestas de entender el manejo de la iglesia, puesto que la directora tiene una postura mucho más conservadora y tradicional, mientras que Flynn intenta introducir algunos cambios que la acerquen más a la gente.
Como el título indica, es la duda la que sobrevuela toda la trama, y no se despeja siquiera al final, el cual queda abierto a la interpretación del espectador.
Una historia que no deja indiferente a nadie.

PD: si bien tuvo una buena recepción del público y la crítica, solamente ganó uno de los casi veinte premios a los que estuvo nominada. Mereció mejor suerte.
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Confesiones de un asesino serial retirado (2025) Una rareza

El debut cinematográfico de Tolga Karaçelik, director turco, nos presenta a Keane (John Magaro), un escritor que en medio de un bloqueo creativo, la apatía de su esposa Suzie (Britt Lower) y las presiones de su editor, conoce a Kollmick (Steve Buscemi), quien se presenta como admirador del escritor y tras una breve charla le recomienda escribir sobre un asesino en serie.
Aunque esto difiere radicalmente del proyecto que tenía en mente (una historia romántica en la edad de hielo, hace 40.000 años), finalmente Keane y Kollmick inician una relación amistosa, aunque casi inmediatamente este último confiesa que años atrás cometió varios crímenes, razón por la cual se ofrece como guía para la escritura de la obra.
Esta insólita situación da lugar a varios momentos graciosos, sobre todo cuando Kollmick es presentado a Suzie como un consejero matrimonial. Al mismo tiempo una subtrama compleja empieza a desarrollarse, incluyendo un par de secuestros y varios malentendidos que causan problemas.
Todo esto da como resultado una trama complicada, una extraña mezcla de géneros donde podemos distinguir comedia negra, algo de suspenso y películas sobre la mafia.
Una atmósfera densa de historias y géneros entremezclados, con actuaciones que podemos definir como correctas, y un cierre tan inesperado como abrupto que deja sin embargo varios cabos sueltos demasiado grandes como para sostener la verosimilitud de la película.
Me recordó bastante a algunas películas de los hermanos Coen, ya que vemos aquí a un hombre común involucrado de repente en diversos delitos, cada vez más graves.
Cumple con su objetivo, apenas. No me pareció una gran película, pero se le puede dar una oportunidad.

PD: la expresión "asesino serial retirado" es prácticamente inconcebible, puesto que ese tipo de criminal no suele detenerse, ni mucho menos retirarse.

PD 2: la verdad que un tremendo actor como Steve Buscemi está para mucho más que esta película donde tiene poco margen para mostrar sus cualidades.
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No Country for Old Men (2007) Tres hombres y su relación con la violencia

Película de los hermanos Coen, basada en una novela del mismo título, escrita por Cormac McCarthy. Es la historia de Llewelyn Moss (Josh Brolin), quien mientras cazaba se encuentra con varios vehículos estacionados y una gran cantidad de personas asesinadas. Una de las camionetas lleva una gran carga de drogas, en lo que evidentemente fue una transacción frustrada.
El hombre, que debió haber avisado a las autoridades, decide seguir investigando. En una de las camionetas halla a un hombre herido, quien le ruega por agua, pero Moss no cuenta con ella, por lo que tras quitarle el arma al hombre, se retira del lugar. Su pesquisa continúa por los alrededores, donde observa a otro hombre muerto, el cual poseía un maletín lleno de dinero. Llewelyn decide llevarse el efectivo, tras lo cual se dirige a su casa, esconde el dinero, y consciente de que habrá gente muy peligrosa buscando el maletín, envía a su esposa Carla Jean (Kelly Macdonald) a casa de su madre para ponerla a salvo.
El segundo protagonista de esta historia es el sheriff Bell (Tommy Lee Jones), un veterano hombre de la ley que día a día se siente más superado por la creciente violencia que debe enfrentar en su trabajo. Él está a cargo de la investigación, y posteriormente una desesperada Carla Jean lo contacta para pedir protección para su esposo.
Y finalmente está el gran protagonista, Anton Chigurh. Este personaje interpretado magistralmente por Javier Bardem, es un asesino a sueldo que fue contratado para recuperar el dinero. Se trata de un hombre absolutamente frío, sin conciencia alguna ni remordimiento de ningún tipo. Esto lo vuelve imparable, ya que asesina a todo aquel que interfiera en su camino o que posea algo que le pueda ser de utilidad para sus fines.
Estos tres hombres ven sus caminos entrecruzados en alguna forma, si bien solamente Moss y Chigurh comparten escena.
Es una película que toma muchos elementos del wéstern, si bien las travesías se hacen en su mayoría en camionetas u otros vehículos. Otra peculiaridad es que hay relativamente pocos diálogos, para un largometraje que pasa de las dos horas. Pese a esto, no resulta tediosa ni lenta, lo cual habla muy bien tanto de los directores/guionistas como de los actores.

PD: Indudablemente el personaje de Chigurh es sorprendente. Javier Bardem ganó el Oscar a mejor actor de reparto, de manera muy merecida a mi parecer, con una interpretación perfecta, considerada una de las mejores representación de un psicópata en pantalla. Indudablemente el extraño corte de pelo que luce contribuye a su inquietante presencia.

PD 2: la película obtuvo el premio de la Academia a la mejor película, mientras que los hermanos Coen también ganaron el Oscar como mejores directores y guionistas.

PD 3: otra cosa que me llamó mucho la atención es que el personaje de Chigurh usa como arma un elemento que nunca había visto antes, y tuve que investigar un poco para saber qué es.
Se trata de una pistola de perno cautivo, la cual se usa en los mataderos para provocar una conmoción a los bovinos que serán sacrificados. Esta herramienta no utiliza balas, lo cual es una ventaja para el criminal. Por lo que leí, un par de asesinatos se cometieron con este tipo de elemento.

PD 4: como dije, los tres personajes principales no aparecen juntos nunca en toda la película, así que tuve que usar un montaje para ilustrar esta publicación, cosa que no suelo hacer.
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Núremberg (2025) La justicia de los vencedores

Esta gran película lleva una vez más a la pantalla grande lo que fueron los juicios de Núremberg, donde se juzgó a importantes jerarcas nazis, de los cuales el principal era Hermann Göring. Sin embargo del total de la película, el espacio dado al juicio en sí es relativamente menor, puesto que el peso de la trama recae en la previa del mismo.
Al final de la guerra, un día antes de la rendición alemana, el reichsmarshall Hermann Göring (Russell Crowe) se entrega a los aliados junto a su familia, siendo trasladado a prisión.
Mientras se debate el destino de este y otros nazis tomados como prisioneros, en los Estados Unidos el juez Jackson de la Suprema Corte considera la posibilidad de llevar adelante un juicio estableciendo para ello un tribunal internacional.
Al mismo tiempo el psiquiatra y oficial del ejército Douglas Kelley es asignado a la prisión para evaluar el estado mental de Göring y los otros detenidos.
En la relación entre ambos protagonistas es el pilar sobre el que se basa toda la película, lo cual puede llegar a ser un poco decepcionante para quien quisiera ver más del juicio, pero a mi parecer la elección es correcta porque le da una consistencia a la trama que de otra forma se habría perdido.
Gracias a esta decisión podemos conocer el pensamiento y la personalidad de Göring, así como el duelo intelectual que lleva a cabo con el psiquiatra Kelley, pero también su faceta humana al mostrarlo como un padre y esposo amoroso.
Otro punto que el largometraje toca es acerca de la responsabilidad de los crímenes cometidos en una guerra, y sobre todo cuáles de estos se juzgan y cuáles no. Göring plantea que la única razón por la que él está detenido es porque Alemania perdió la guerra, ya que los estadounidenses cometieron muchísimas atrocidades, como por ejemplo la bomba atómica. Y en esto debo reconocer, muy a mi pesar, que tiene razón.
Finalmente llega el juicio, y también vemos la batalla verbal y argumental que Göring libra contra los jueces, hasta ser derrotado y obligado a admitir su responsabilidad.
La última escena nos muestra al doctor Douglas Kelley tratando de convencer al público norteamericano de los peligros que el fascismo conlleva para la democracia, y cómo ese monstruo puede volver, bajo nuevas formas, quizá sin uniformes, pero con el mismo odio que sumió a la humanidad en un horror inimaginable. Tristemente sus palabras no son tenidas en cuenta.
En resumen, me ha parecido una gran película. Las actuaciones y las caracterizaciones son impresionantes, y el guión está muy bien escrito, jugando con el suspenso y dejando varios puntos para la reflexión. Vale la pena.

PD: me sorprendió la transformación física de Russell Crowe y lo bien logrado de su papel como Hermann Göring. Creo que es lo más destacado.
PD 2: desconozco si el verdadero Kelley intentó advertir sobre el germen fascista en las sociedades, pero si lo hizo, fue casi un profeta. Lamentablemente no lo escucharon.
PD 3: una vez más se demuestra en este largometraje que tanto la historia como la justicia la hacen los que ganan.
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Cortafuego (2026) Una desesperante búsqueda contrarreloj

Mara (Belén Cuesta), cuyo marido ha fallecido recientemente decide vender la casa que posee en el bosque. Junto a ella está Lide (Candela Martínez), su hija, además de su hermana Elena (Diana Gómez) junto a su esposo Luis (Joaquín Furriel) y el hijo de ambos.
Al mismo tiempo un incendio forestal amenaza la zona, hecho que apresura la marcha de todos, lo que genera un choque entre Mara y Lide, puesto que la niña tenía la intención de despedirse del bosque y de una cabaña especial construida por su padre tiempo atrás. Ante la negativa de la madre, la pequeña sale por sus propios medios decidida a cumplir su deseo, sin que el resto se percate de su partida.
Cuando se disponen a marcharse notan la ausencia de la niña, al mismo tiempo que el vecino y guardabosques Santiago (Enric Auquer) llega en su camioneta. El hombre dice haber visto a Lide en la cabaña, pero cuando Mara y Luis llegan encuentran el lugar vacío. Esto hace que den aviso a la policía que llega pero intima a todos a desalojar la zona por el riesgo del incendio.
Ciertas actitudes de Santiago llevan a Mara a sospechar que el joven sabe más de lo que dice, lo que desata una ola de intriga y una violencia que no para de crecer.
Todo esto se sostiene por supuesto en lo que es el centro de la historia: la desaparición de Lide. Pero es Auquer quien lleva el peso actoral, con momentos realmente muy logrados en los que la duda sobre su responsabilidad en el caso se vuelve muy intensa.
La película juega con la desesperación de los protagonistas y nos lleva a pensar que en un estado semejante somos capaces de hacer cosas que nunca habríamos considerado siquiera.
Los sentimientos opresivos se ven reforzados gracias a la técnica de cámara en mano utilizada por el director David Victori en algunas escenas, lo que causa una sensación de vértigo, desprolijidad e inmediatez que va muy a tono con el guión. Cuenta con música ambiental que resalta el ambiente asfixiante del incendio y de la trama. Me ha parecido entretenida, pese a las duras críticas que está recibiendo.

PD: me encanta ver a un actor argentino en una película española, aunque en algunos momentos suena un poco chocante escuchar a Furriel utilizar modismos o expresiones típicas de la Madre Patria.

PD 2: por lo que leí en algunos sitios, las principales críticas hacen referencia a un guión demasiado lineal. Sin embargo, pese a que no hay grandes giros, considero que logra su cometido y mantiene la tensión, además de transmitir la gran incertidumbre de los protagonistas.

PD 3: el guión es obra de Asier Guerricaechebarria, Ion Iriarte, Javier Echáñiz y David Victori
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The Usual Suspects (1995) Una historia de misterios y crímenes

Esta compleja película dirigida por Brian Singer, con guión de Christopher McQuarrie, nos cuenta la historia de un grupo de delincuentes que se ve involucrado en una serie de robos y crímenes varios que podrían estar interconectados.
Conocemos los hechos por la narración que hace uno de los involucrados, Roger "Verbal" Kint (Kevin Spacey), quien padece una leve discapacidad física en su brazo y pierna izquierdos. Tras declarar todo lo que sabía sobre una masacre ocurrida la noche anterior en un barco anclado en el puerto, "Verbal" realiza una nueva declaración, esta vez ante el agente Kujan (Chazz Palmintieri).
Al mismo tiempo el FBI junto con la Oficina de U.S. Marshalls investigan lo ocurrido en el barco.
El propio Kint es uno de los sobrevivientes junto con Arkosh Kovash (Morgan Hunter). Es este hombre, Kovash, quien menciona en un momento en que recobra la conciencia, el nombre de Keyser Söze, un enigmático y legendario criminal de origen húngaro, considerado extremadamente peligroso e inteligente.
La narración de los hechos continúa. Los cinco delincuentes fueron arrestados seis semanas atrás como sospechosos del asalto a un camión. Ellos son: el mismo "Verbal" Kint, estafador de poca monta; Dean Keaton (Gabriel Byrne), un expolicía corrupto que afirma haberse alejado del crimen; Fred Fenster (Benicio del Toro); Michael McManus (Stephen Baldwin) y Todd Hockney (Kevin Pollak).
Durante la noche que pasan detenidos (curiosamente en la misma celda), Fenster y McManus proponen un "trabajo", consistente en robar a unos policías que ofician de escoltas de contrabandistas. Para realizar esta operación necesitaban cinco hombres, de manera que Kint se encarga de intentar convencer a Keaton de unirse al grupo.
Luego, una cosa lleva a otra, un segundo robo planificado en el que los cinco se encuentran en medio de un enfrentamiento entre bandas, y de manera indirecta, el fantasma del enigmático Keyser Söze comienza a aparecer.
Como dije al principio, es una película compleja. En primer lugar su trama no lineal obliga a prestar mucha atención. La narración de Kint, impecable en cuanto a detalles, no deja de ser la declaración de un implicado que pese a su apariencia frágil y su discapacidad, oculta una impactante revelación final.
No es la típica película de crimen. Su estructura recuerda un poco a las primeras películas de Tarantino, pero la complejidad de la historia me recordó bastante a David Fincher. El juego de sospechas, los detalles, las diversas motivaciones de los protagonistas y sobre todo el final conforman una película excelente, que con justicia ha conseguido un estatus de culto a más de treinta años de su estreno.

PD: esta película obtuvo dos premios Oscar: mejor actor de reparto para Kevin Spacey y mejor guión original para Christopher McQuarrie. Indudablemente dos reconocimientos más que merecidos.
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Super Mario Bros. La Película (2023) Una obra llena de humor y nostalgia

Treinta años después de la primera y extraña adaptación que se hiciera del famoso videojuego de Super Mario Bros., llegó esta excelente película para hacer un poco de justicia.
Dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic, con guión de Matthew Fogel, esta versión animada nos trae nuevamente a los hermanos Mario, que trabajan como fontaneros, o como decimos por aquí, simplemente "plomeros".
Ambos acaban de iniciar su negocio con magros resultados. Esto lleva a Mario a presentarse junto a su hermano de manera voluntaria para solucionar una gran fuga de agua que está inundando el centro de Nueva York. Una vez en el lugar, una serie de hechos fortuitos los llevan a ser absorbidos por unas misteriosas tuberías que los transportan a otro mundo. Mario aparece en el Reino Champiñón, donde conoce a Toad, mientras Luigi se encuentra en las Tierras Oscuras del reino de Bowser.
Para poder encontrar a su hermano, Mario es llevado hasta la Princesa Peach, pero en ese momento el Reino enfrenta una grave crisis ya que Bowser ha robado una Superestrella con la cual pretende destruir todo el Reino si la Princesa no accede a casarse con él.
Para poder enfrentar a los Koopas, la Princesa decide partir hacia el Reino de la Selva para solicitar al Rey Cranky Kong que le ceda sus tropas. Una vez allí, el Rey dice que solamente apoyará la causa de Peach si Mario vence a su hijo Donkey Kong en un combate. Una vez logrado esto, todo el grupo más las tropas de los Kong se disponen a enfrentar a sus enemigos, pero una emboscada les impide llegar. Sin esperanzas, la princesa se dirige a su Reino y ordena evacuar. Posteriormente no tiene más opción que aceptar la propuesta de matrimonio de Bowser.
Los planes del malvado Rey de los Koopas se ven frustrados y una terrible batalla final tiene lugar en las calles de Brooklin, a donde todos son transportados.
Considero que es una gran película y ello se fundamenta en varios aciertos notables. En primer lugar, la multitud de referencias que contiene, muy fácilmente reconocibles, que van desde secuencias que recuerdan a los diferentes juegos de la franquicia, hasta las canciones originales que suenan en diferentes momentos. Relacionado con esto, otro acierto enorme es a mi juicio el tono simpático que mantiene en todo momento. Incluso el villano, el personaje de Bowser, es principalmente ridículo en la mayoría de sus apariciones, generando más de una sonrisa en el espectador.
Y por último destaco las canciones que no pertenecen al juego, que están excelentemente utilizadas. Las que pude reconocer son "Holding Out for a Hero" de Bonnie Tyler; "Take on Me", el gran hit del grupo A-ha; "Thunderstruck", de AC/DC y finalmente "Mr. Blue Sky", de Electric Light Orchestra, que lamentablemente suena durante muy poco tiempo.
En resumen, una gran película, que pega justo en la nostalgia de quienes jugamos al "Mario" en el Family (como le decíamos aquí a la NES), o en cualquier otra consola. Divertida, alegre y emotiva, no encuentro puntos débiles a señalar, así que la recomiendo sin dudar.

PD: el reparto original incluye a Chris Pratt como Mario, Anya Taylor-Joy como Peach y Charlie Day como Luigi, mientras que Jack Black se luce como Bowser. Keegan-Michael Key interpretó la voz de Toad. Es justo mencionar también a los actores de doblaje, que hicieron un fantástico trabajo en esta película: Raúl Anaya, Ale Pilar, Roberto Salguero, Héctor Estrada y Miguel Ángel Ruiz.
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Saint Seiya VIII: de Aries a Géminis

El guía los lleva hasta las escalinatas de la Casa de Aries, explicándoles que deben atravesar las 12 Casas para llegar hasta el Patriarca. Inmediatamente los ataca, mostrando que en realidad es un Caballero de Plata: Tremy de Flecha, que lanza un ataque de Flechas Fantasma. Aunque es rápidamente derrotado por Seiya, los amigos descubren con horror que todo fue una distracción y mientras ellos eludían su ataque ilusorio, Saori recibió un flechazo en el corazón.
En esos primeros instantes tras la herida es cuando podemos ver escenas retrospectivas que por primera vez muestran la tremenda crueldad con la que Saori se relacionó con los niños que en el futuro serían Caballeros.
El atacante revela poco antes de morir que la joven Saori morirá en 12 horas a menos que el Patriarca en persona llegue hasta ella, ya que es el único capaz de retirar la flecha y salvar la vida de la chica. En ese momento se ve también por primera vez un reloj con doce llamas, una en cada uno de los signos zodiacales. Cada llama se extingue una hora, de manera que cuando el fuego del último signo, Piscis se haya acabado, Saori morirá.
Sin embargo existe un enorme obstáculo: los Caballeros Dorados que custodian las Casas evitarán su paso. La primera Casa es la de Aries, donde se encuentran con un viejo conocido: Mu, el maestro de Jamir, quien es el Caballero Dorado de Aries. Como se trata de un aliado a su causa, Mu no combate contra los Caballeros de Bronce, sino que les sugiere que le permitan reparar sus armaduras, ya que están muy dañadas tras tantos combates. Una hora de su tiempo se consume en esa tarea, y tras unos últimos consejos de Mu, donde hace referencia al Séptimo Sentido, el grupo parte hacia la Casa de Tauro, donde se encuentran al segundo Caballero: Aldebarán.
El guardián de la Casa de Tauro es imponente: una verdadera mole con una absoluta confianza en sí mismo. Seiya pretende atacarlo y distraerlo para que los demás puedan atravesar la Casa, pero el Caballero de Tauro rápidamente deja fuera de combate a Shun, Hyoga y Shiryu. Sin moverse de su sitio, Aldebarán lanza una serie de ataques contra Seiya, derribando columnas y haciéndolo atravesar paredes. Cuando está a punto de abandonarse a sí mismo, las figuras de Saori y Marin aparecen para darle aliento. En particular recuerda su entrenamiento, cuando Marin le enseñó cómo eludir un ataque con espada. Allí aprendió que el secreto se hallaba en obligar al contrincante a cambiar su postura.
Con nuevas fuerzas, Seiya resurge para sorpresa del Caballero de Tauro. Pegaso contraataca, lo que obliga a Aldebarán a romper su postura. Convencido de haber descubierto la clave, Seiya recibe de lleno el ataque del Gran Cuerno, asegurando que logró ver sus movimientos, y afirmar que es capaz de cortar uno de los cuernos del Casco dorado de Tauro.
Mientras tanto los otros tres caballeros despiertan. En ese mismo momento Seiya por primera vez logra devolver el ataque de Tauro, haciéndole perder el equilibrio. Cuando recupera la vertical, el Caballero de Pegaso cumple su promesa y le corta uno de sus cuernos. Tras esto, Aldebarán le permite pasar la casa, aunque sólo a él.
Mientras el segundo fuego del reloj se extingue, Seiya parte hacia la casa de Géminis. Los otros tres, en tanto, luchan contra Aldebarán y combinando sus poderes lo pueden derrotar, así que este da unos consejos y los deja pasar.
Seiya, ya ante la tercera casa, ingresa a la misma mientras sus tres amigos se aproximan. Estos últimos perciben a alguien acercarse desde el interior, pero para sorpresa de todos, se encuentran con el propio Seiya quien cuenta que corrió aparentemente en línea recta, pero misteriosamente volvió hacia la entrada. Los cuatro Caballeros ingresan, encontrando en su interior una misteriosa sucesión de luces y sombras.
Una charla entre Aldebarán y Mu revela que el Caballero de Tauro comenzó a dudar que realmente se tratara de traidores a Atenea, de tal manera que prefirió dejarlos pasar gracias a su determinación, pese a que pudo haberlos masacrado si hubiese querido.
Cuando los cuatro protagonistas se encuentran nuevamente a la entrada de la casa de Géminis, descubren con temor que la misma ahora se ha duplicado. Por esto deciden dividirse en dos grupos, entrando cada uno de ellos en una casa.
Shun y Hyoga corren por el interior de un pasillo aparentemente sin fin, hasta que se encuentran con el misterioso Caballero de Géminis. Cuando intentan atacarlo, el golpe les es devuelto como si se tratara de un espejo.
Shiryu y Seiya, en la otra casa, se encuentran también con el Caballero de Géminis, pero el Dragón asegura que se trata de una ilusión, obligando a su amigo a cruzar sin temor, ya que el verdadero Caballero no está allí. Efectivamente, al estar privado de la vista, el Dragón podía comprender que todo era un truco, y así pueden pasar a través de la casa. El Cisne y Andrómeda no lo tienen tan fácil, puesto que allí el Caballero de Géminis sí responde, atacando y enviando a Hyoga a otra dimensión.
Shun resiste gracias a su cadena, aunque no por mucho tiempo. El cosmos de Ikki aparece entonces, logrando distraer al enemigo por unos momentos, en los cuales Shun puede ver la salida del laberinto. En este momento ya quedan pocas dudas: es el mismo Patriarca quien controla al Caballero de Géminis.
Hyoga ha desaparecido en otra dimensión, y Andrómeda usa su cadena, la cual llega hasta el mismo Santuario y ataca al Patriarca, tras lo cual este decide dejar pasar a su rival.
Mientras tanto el Cisne recobra el sentido en otra de las casas, donde se encuentra con un nuevo Caballero Dorado cuya identidad pronto será revelada.

PD: hay algunos errores y cambios de doblaje en estos episodios también. Uno de los más graves tiene que ver con Tremy. Su verdadero nombre es Ptolemy, y aunque en realidad es el Caballero de la constelación de la Flecha, insólitamente en el doblaje se lo nombra como Sagitario.
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Pink Floyd - The Wall (1982) Un viaje surrealista al corazón de los horrores

Tardé años en ver esta película, pero la espera valió la pena.
Nos cuenta la historia de Pink (Bob Geldof), un músico de rock que vive inmerso en un mundo de traumas y excesos, y que aparentemente pierde día a día contacto con la realidad. Pero no lo hace como una película convencional, sino apostando fuertemente al impacto y al shock emocional del espectador, reflejo del precario estado mental del protagonista. Dirigida por Alan Parker a partir de la obra conceptual de Roger Waters, "Pink Floyd - The Wall" logra a través de su montaje frenético y sus constantes saltos temporales construir una experiencia que permanece imborrable en el público.
Atrapado en su laberinto, revive escenas impactantes que se conectan con la historia de su padre, muerto en la Segunda Guerra Mundial, critica duramente al sistema educativo y recrea momentos de su infancia.
Todas estas líneas temporales se entrecruzan mediante flashbacks sin mucho orden aparente, pero que permiten ir armando la historia en toda su complejidad.
La línea de la infancia de Pink nos muestra la falta de una figura paterna, la sobreprotección de su madre y la opresión de la que eran víctimas los estudiantes en la escuela.
La primera secuencia de animación, a cargo de Gerald Scarfe, con la canción "Goodbye blue sky" resulta sobrecogedora por lo potente de su simbolismo al mostrar de forma metafórica los bombardeos de Londres por parte de la aviación alemana en la Batalla de Inglaterra.
A continuación sigue una de las escenas más impresionantes, al menos para mí: la que muestra a la escuela como una fábrica gigante en la cual los alumnos pierden toda individualidad y creatividad, terminando luego por caer en una picadora de carne gigante. Además se critica la violencia física y psicológica a la que los estudiantes eran sometidos en ese entonces. La escena finaliza con la destrucción de la escuela por parte de los adolescentes, que incluso arrojan al maestro al fuego. Todo ello forma parte de las fantasías de Pink, ya que luego vemos que todo sigue en su lugar, con él asistiendo a una aburrida clase.
Con "Mother" se evidencia cómo la figura de su madre ha influido negativamente en él, debido a su relación patológica, hecho que afecta también su matrimonio.
Las escenas de violencia en las calles, con actos de vandalismo y represión policial estremecen por lo actual que se ven. Por otra parte es muy cruda la representación de los excesos de la vida nocturna y el ambiente artístico, reflejada de manera bastante explícita. Sin embargo lo que le da a todo esto un aura trágica es que mientras se vive un ambiente de fiesta permanente, Pink es ajeno a todo, encerrado en su mente y sus conflictos, incapaz de conectar con la realidad, lo que se demuestra cuando invita a una chica a su habitación pero es incapaz de mantener ninguna clase de contacto con ella, sumido en sus propias fantasías y en el dolor que la infidelidad de su esposa le causa, hasta que en un inexplicable ataque de furia termina destruyendo toda la habitación, para espanto de la chica.
La mente de Pink parece estar ocupada por ciertos temas muy específicos y recurrentes. Así, como en un ciclo interminable vemos a la madre sobreprotectora, al padre muerto en la guerra, la violencia en las calles, la escuela con sus maestros sarcásticos, y al artista encerrado tras el muro que construyó para protegerse del mundo exterior y cada vez más enajenado. En otra de sus visiones alucinadas, se ve a sí mismo como un dictador fascista al cual multitudes aclaman, en lo que es una deformación de sus actuaciones musicales.
Además de todo esto, hay referencias al Holocausto y a la deshumanización del artista, con un público incapaz de reconocerlo como persona, muchas veces sufriente y vulnerable como cualquier otro ser humano. La industria musical, por su parte también explota al artista en su afán de lucro, como se ve en la dura escena que la maravillosa "Comfortably Numb" ilustra a la perfección. Allí un semiinconsciente Pink es inyectado y llevado a rastras para que se presente a un show.
La actuación es nuevamente percibida por el artista como un congreso neonazi, reforzado por secuencias de grupos paramilitares con el uniforme del partido atacando a los ciudadanos, y una nueva escena animada donde se ve a las tropas desfilar por las calles representadas como martillos, en uno de los momentos más recordados del largometraje.
Finalmente, un Pink lleno de remordimientos alucina con un juicio en el que es condenado a ser expuesto ante sus pares derribando el muro, lo que revela toda su carga psíquica con una gran explosión y sucesión de imágenes que resumen todo el drama interno del protagonista y que no ofrecen una salida o solución, sino que pueden interpretarse como un desborde quizá definitivo, como el colapso final del músico. Otra mirada más optimista podría interpretar el final como una crisis que dé luego a Pink la posibilidad de recuperarse y recibir la atención médica y psiquiátrica que necesita.
El elenco está formado por Bob Geldor como Pink; Eleanor David como su esposa; Bob Hoskins (un actor que siempre me gustó) como el mánager inescrupuloso; Christine Hargreaves interpreta a la madre de Pink, mientras que Alex McAvoy es el profesor. Además muchos otros actores y actrices tienen papeles menores, pero con alguna relevancia para la trama.
Esta obra de culto nos lleva a recorrer sitios muy oscuros de la mente humana, poblada por traumas, fantasmas del pasado, excesos y un aislamiento que en los tiempos que corren se ha acentuado, pese a la permanente conectividad, volviéndonos cada vez más solitarios aunque estemos en medio de muchas personas. Esta película es un recordatorio de los peligros del mundo consumista en que vivimos, a la vez que es un fuerte grito antibelicista, muy necesario también en nuestros días.

PD: con esta película me pasó desde la primera vez que la vi que aunque no podía recordar bien la trama, sí tenía muy presente las escenas más impactantes. Creo que a la mayoría le pasará lo mismo.
PD 2: es un largometraje que casi no tiene diálogos, y sin embargo logra mantener la atención gracias a su simbolismo y fuerza.
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